Auteur/autrice : AnneV

Chronique film : Mary et Max

d’Adam Elliot.


Tout le monde ne voit pas le monde de la même façon.
Surtout derrière un oeilleton.
Clique.

Arf, un peu mal à l’aise pour parler de ce film, tant on sent qu’Adam Elliot est plein de bonnes intentions. Il adapte une belle histoire vraie et émouvante au moyen du film d’animation, en pâte à modeler pour être précise. Il essaie à tout prix de créer son univers à lui en s’éloignant de tous les standards mielleux Disneyiens. C’est fort louable comme intention.

Le monde qu’il créé est cradasse, maronnasse ou grisâtre, déglingué. Rien n’est joli dans le film, rien n’est propre. Les animaux louches, les personnages sont tous plus vilains les uns que les autres (bouarf la mère, ou la voisine de Max…). Pourquoi pas me direz-vous ? Le problème justement, c’est qu’on ne voit pas justement pourquoi créer cet univers aussi laid afin de raconter cette histoire qui est plutôt jolie et positive. Pour vanter la beauté des laids ou de la différence, il faut que justement cette différence existe. Les personnages ici sont finalement comme tous les autres. Le changement de tonalité de l’image entre New York (gris) et l’Australie (sépia) n’apporte pas grand chose, et le fait de colorier uniquement les objets rouges est une agression visuelle supplémentaire loin d’être essentielle. Elliot a donc bien clairement un projet visuel pour son film, mais pas le bon. Il y a pourtant moyen de sortir des sentiers battus de la joliesse en animation de manière pertinente, citons en vrac certaines scènes du magnifique Coraline, ou les films de Suzie Tempelton, ou encore Starewitch.

L’univers d’Adam Elliot n’est carrément pas mon truc, mais pour en rajouter une couche, Mary et Max n’est pas un grand film de cinéma. Ce n’est presque pas un film d’abord, mais plutôt un livre d’images, une succession de tableaux expliqués par une voix-off permanente. Il n’y a quasiment aucun dialogue, la voix des héros n’est entendue qu’au travers des lettres qu’ils s’écrivent. Encore un parti pris, et encore un mauvais choix. Le film, sans dialogue, est pourtant très bavard, et finalement très peu animé. C’est une succession de saynètes, pleines d’anecdotes décalées. Il y a de l’imagination certes, et quelques trouvailles. Mais on se dit qu’il aurait suffi d’une bonne bande dessinée pour arriver à ce résultat. Elliot ne fait pas assez confiance en le pouvoir de l’animation et dans l’intelligence du spectateur. Tout est très appuyé, pour qu’on comprenne bien tout, et ça en devient très lourd, jusqu’à anéantir l’énorme potentiel émotionnel de cette histoire.

Elliot s’est donc clairement foutu dedans, malgré ça, on peut saluer ses choix radicaux. Bien que ratés.

Chronique film : Hôtel Woodstock

d’Ang Lee.


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« Puis je me réconcilie avec le festival de musique mécanique qui a envahi les rues paisibles de ma ville.
Car pour une fois l’intolérable vacarme n’est pas produit par une jeunesse efflanquée
et chevelue arc-boutée sur ses guitares saturées, mais par de ventripotents et rubiconds moustachus
coiffés de canotiers qui tournent inlassablement leurs manivelles,
et cette dérision de Woodstock enchante mon esprit rebelle. »
Eric Chevillard – 675 – L’autofictif

Je ne m’attendais pas à grand chose de la part de ce film, malgré mon affection en général pour Ang Lee. Un peu effrayée par les deux heures affichées au compteur également. Mais contrairement à beaucoup de films, c’est finalement sur la durée qu’ Hôtel Woodstock devient intéressant et émouvant.

On pouvait craindre le pire au début, avec la reconstitution de cette famille juive tenant un motel tout pourri dans un coin paumé des Catskills. La caricature n’est pas loin, notamment à cause d’Imelda Staunton, qui en fait vraiment des tonnes de caisses. Le film démarre donc vraiment tout doux tout doux, rigolo, mais finalement insignifiant. Et puis à un moment, il se passe un truc. Dès que les hippies arrivent et que les préparatifs du concert débutent, on retrouve la patte d’Ang Lee : filmage toujours à la bonne distance, cette espèce de merveilleux regard premier degré, jamais ironique, mais plein de bienveillance. Les seconds rôles jusque là médiocres commencent à tenir plus sérieusement la route : citons l’archange Jonathan Groff juché sur son cheval blanc, ou Liev Schreiber travesti en grande blonde qui ne sombre jamais dans le ridicule.

Et puis Ang Lee se met à très bien filmer sa reconstitution, les gens, ces gens venus de partout, qui s’installent là pour quelques jours, pour quelques heures de musique. C’est joli et coloré, l’image est belle, pleine de gens heureux, juste là pour le plaisir. Pas de nostalgie, mais la joie de raconter une génération libre, blindée de rêves, d’envies. Et puis il y a cet excellent trip sous acide du héros, qui permet à Ang Lee, de filmer la seule scène représentant le concert. Et là, malgré la modestie de son parti-pris (filmer Woodstock, côté coulisses des coulisses), Ang Lee réussit un passage très audacieux. Il prend le terme marée humaine au premier degré, et transforme la foule de Woodstock et la scène, petit point brillant du haut de la colline, en une mer à la houle forte et sombre. Vision onirique et magnifique qui replace l’événement pour ce qu’il restera toujours dans la tête des gens qui n’y étaient pas : un fantastique mythe.

Un film paradoxal donc, qui réussit plus dans les scènes casse-gueule nécessitant un savoir-faire et une distance juste pour fonctionner, que dans les scènes de comédie pure, et qui déploie ses charmes et ses émotions lentement mais sûrement. Une jolie petite douceur de fin de week-end.

Chronique théâtre : La mardi à Monoprix suivi d’Auteurs vivants

d’Emmanuel Darley.

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Un peu facile l’illustration, je suis d’accord. Que ça ne t’empêche pas de cliquer.

Une excellente idée de publier ce très beau texte d’Emmanuel Darley. Une occasion pour moi de découvrir cet émouvant monologue. On reconnaît le style Darley dès les premières phrases. Quiconque n’en a jamais lu/entendu se sentira peut-être un peu perdu au début. Par contre, ceux qui tâtent un chouia l’écriture Darleyienne se vautreront avec délices dans ce langage parlé mais très écrit, ces phrases bousculées, chamboulées, fracturées, claudicantes, dont les vides, les manques, les absences sont pleins de sens et d’émotions.

Le Mardi, depuis que sa mère est morte, Marie-Pierre vient aider son père à tenir son ménage, et à faire les courses. A Monoprix. Et pour Marie-Pierre, bien que contente d’aider son père, revenir dans la ville de son enfance est une épreuve. Le regard des autres, et le regard de son père ne sont pas simples à encaisser. Il faut dire qu’avant, Marie-Pierre s’appelait Jean-Pierre. Marie-Pierre décrit donc un mardi avec son père, et c’est magnifique et très émouvant. Elle raconte comme elle le sent, dans sa façon de parler à elle, sa joie de venir aider son père, et sa peine aussi que son père ne l’accepte pas « telle quelle », sa détermination à se faire tolérer comme elle est.

Le mardi à Monoprix est une petite chose très simple, très douce en apparence et qui cache derrière cette simplicité la très grande violence du regard des autres, du poids de ce regard quoi qu’on fasse et quoi qu’on assume. Les deux premières phrases sont en ce sens superbes : « Tout le monde me regarde le mardi. Tout le monde./Me regarde avec le coin de l’oeil comme si discret mais en fait pas du tout. » Et on sent que l’incapacité du père (ou sa très grande difficulté) à accepter l’évolution de son enfant est conditionnée par la peur du regard des autres. Et ce regard des autres justement est petit, bouffé de curiosité malsaine, lié au rejet de l’inconnu, du différent, à la crainte de l’autre qu’on ne comprend pas. Une peur vite transformée en haine, qui se retourne contre Marie-Pierre. Marie-Pierre, un magnifique coeur simple qui paie cher le fait d’être « telle quelle ».

Darley évite cependant tout manichéisme en introduisant furtivement un joli personnage féminin, amie du père, qui sert de contrepoint à la noirceur ambiante. C’est un révélateur des sentiments cachés paternels,  comme ça, mine de rien. Un texte tourneboulant donc. A lire, à voir. Hop hop.

 

Le Mardi à Monoprix est suivi d’une autre pièce, beaucoup plus légère : Auteurs vivants. Une répétition de Corneille par une troupe classique est prise en otage par des auteurs « vivants » désireux de voir leurs textes montés sur une scène. Le début est vraiment poilant : très drôle de voir ces comédiens pouet-pouet (des sociétaires…) pour lesquels le comble de l’audace est d’intervertir deux mots et pris de panique à l’idée de jouer une phrase dont la construction n’est pas parfaite. On n’est un peu gêné cependant par le côté « private joke » de l’exercice, un peu un défouloir, règlement de comptes. Outre cette petite réserve, on passe un très bon moment avec ce texte, qui doit être franchement rigolo à monter.

 

Chronique film : Les derniers jours du monde

d’Arnaud et Jean-Marie Larrieu.


S’échapper, par tous les moyens à la grisaille pénétrante. Clique.

Avec les Larrieu, rentrer dans une salle c’est s’exposer au risque de pénétrer des mondes parallèles, pas vraiment solides et stables. Les derniers jours du monde est vraiment un « machin » au bon sens du terme, un truc improbable et barré, mal foutu et attachant, un bric à brac génial. Mal construit, manquant de tenue, le film réussit néanmoins à emporter l’adhésion par l’attachement qu’il provoque, les questions qu’il suscitent, la curiosité qu’il titille. La fin du monde sert de décor à une ode à l’amour absolu. Quoi de plus romantique que cet amour malgré tout ? malgré le monde qui s’écroule, malgré les femmes qui cherchent la protection et la queue du mâle.

C’est un parcours du combattant auquel est confronté Robinson, le héros. Amalric est superbe, toujours sur le fil, incroyablement crédible dans le rôle totalement impossible d’un homme blackboulé par les événements et ses sentiments pour sa curieuse et volatile maîtresse (très intrigante Omahyra Mota, androgyne brindille). Les Larrieu se lancent dans un cinéma beaucoup plus ambitieux qu’ils n’en ont l’habitude (et le budget probablement), une espèce de road-movie, alternant scènes intimistes, et scènes de foules dont quelques unes sont très impressionnants (les fêtes de St Firmin à Pampelune). Robinson, malgré ses conquêtes, reste seul au monde au milieu de cette débâcle, avec son amour pour Laë. Et les dernières scènes permettent de boucler la boucle de l’histoire de la Terre : nus comme aux premiers jours du monde, Robinson et Laë courent dans un Paris désert, tels Adam et Eve au jardin d’Eden.

C’est une histoire romantique en diable, très profonde, sans que rien ne soit laissé au hasard. Les Larrieu ne se départissent cependant pas de leur fantaisie habituelle et le film est drôle et touchant. L’interprétation est au petit poil de tous les côtés, et la musique au millimètre (surprenant, risqué et fabuleux choix que Ton Style de Ferré pour illustrer la fin du monde !). Bref un formidable moment, malgré quelques micros longueurs, tout à fait pardonnables compte-tenu de l’audace de l’entreprise.

Chronique film : Non ma fille, tu n’iras pas danser

de Christophe Honoré.


Toute tentative d’évasion est inutile. Clique.

Magnifique, magnifique film que celui-ci. En dressant le portrait de la belle Léna, mère de deux enfants, ayant quitté son mari après une tromperie, Honoré se débarrasse de son côté Diesel parisien. Ses deux précédents films avaient en effet un côté élitiste bobo et mettaient pas mal de temps à décoller. En se délocalisant en Bretagne, sa région d’origine, Honoré réussit à faire démarrer son film dès les premières minutes (très belle scène à la gare, très forte, où Léna commence par perdre son fils, qui essaie de sauver une pie à moitié crevée). En retournant chez ses parents pour un week-end, avec son frère et sa soeur, Léna se retrouve dans un traquenard, son ex ayant été invité par sa mère. Famille, je vous hais.

Le film est constamment sur le fil : entre rire et larmes. C’est très drôle (ma voisine de salle s’est, à raison, marré tout le long), et en même temps totalement poignant (j’ai hurlé intérieurement les trois quart du film), bref, d’une infinie subtilité. On pense à l’Heure d’été bien sûr, à Un conte de Noël aussi, pour la description de la haute toxicité familiale banale, mais Honoré réussit un film moderne, solaire, risqué, prenant le parti de l’émotion plutôt que du jugement, un film en équilibre fragile, comme son héroïne, qui peut donner lieu à de multiples interprétations (désaccord totale entre ma voisine de fauteuil et moi d’ailleurs).

Non ma fille, tu n’iras pas danser, est un film sur la pression extérieure, sur la violence familiale et sociale faite à cette femme (aux femmes ?) sensible. Léna vit dans la culpabilité permanente, soigneusement entretenue (et causée fondamentalement sans doute), par l’ensemble de son entourage. Une femme sous influence donc, de ses parents d’abord, incapables de voir autre chose en elle qu’une inapte, incapables de lui faire confiance, jugeant à tour de bras ses actes, interventionnistes (ils invitent son ex, critiquent sa façon de tenir son appartement, et donc prenent les choses en main…). On imagine que cette présence pesante, cette pression permanente, n’est pas pour rien dans la fragilité de Léna, dont le potentiel ne peut pas s’exprimer, dont toutes tentatives d’évasion restent incomprises, jusqu’à l’évasion finale radicale. Cette fin est bouleversante, elle sonne comme une de fatalité, un cercle vicieux imbrisable quoi qu’on fasse, quoi qu’on tente, quel que soit l’amour et l’énergie dépensés. C’est d’une tristesse ineffable (Léna décide de partir, en abandonnant ses enfants. Son frère lui dit qu’ils ne comprendront pas, qu’ils lui en voudront. Elle répond que peu importe, puisque qu’ils lui en voudront de toutes façons).

Victime ou irresponsable Léna ? en fait, c’est la question à ne pas poser. C’est le piège dans lequel il ne faut pas tomber : le jugement, l’analyse du comportement de Léna. Bien que de pratiquement tous les plans, le film est finalement plus le portrait de l’entourage de Léna, que de Léna elle-même. On reste dans le subjectif, dans la façon dont les proches de Léna la perçoivent (y compris son « pas encore amant », qui se permet de décortiquer ses faits et gestes), plutôt que dans le vrai portrait. Du coup, toute tentative de jugement vis à vis de Léna tombe à plat, puisqu’on a qu’une vision partielle et subjective de cette femme. On peut lui reprocher d’être hystérique (mais entre traquenard et mauvaises surprises, n’a t’elle pas des raisons ?), de ne pas tenir parole vis à vis de son fils (elle ne va pas le chercher à l’école, mais pourquoi ? on l’ignore), d’être illogique, irrationnelle… on peut aussi dire que c’est une femme qui essaie de se trouver, dont la tromperie du mari (excellent Jean-Marc Barre, tellement raisonnable et puant de responsabilité face à sa folle d’ex-femme) a été le déclencheur d’une tentative de reconstruction, ou plutôt de construction, que personne n’accepte, une tentative de fuite du schéma traditionnel (travail, famille…) que tout le monde juge négativement. On sent le poids discret mais bien présent de la tradition dans cette famille, de la religion aussi. L’incursion dans la Bretagne du conte et du biniou au coeur du film est à la fois complètement décalée et complètement éclairante sur le film. Cet aparté raconte l’histoire de Katell, une belle jeune femme qui aime s’amuser : ses partenaires de danse meurent les uns après les autres, épuisés par la belle, qui finit par succomber au charme du diable, et d’en mourir de la même façon que sont morts ses partenaires.

Katell, Léna, des femmes qui paient cher leur envie de liberté, dans un monde où la tradition, la morale, la religion sont autant de facteurs d’anéantissement de la personnalité sous couvert de paix sociale et d’une recherche de bonheur à moindre coût (ou coup ?). Magnifique.